Programa de Jazz presentat i dirigit per Andreu Fàbregas.
EL MUSIC DE LA SETMANA
DEE DEE BRIDGEWATER
BIOGRAFIA
Dee Dee Bridgewater, es una de las realidades tangibles en el mundo del jazz vocal en la actualidad y su futuro se antoja aún mucho mejor. Nacida como Denese Garrett, - adquirió su nombre artístico en 1970 tras su matrimonio con el trompetista Cecil Bridgewater- se incorporó en 1971 a la big band de Thad Jones y Mel Lewis, una brillantísima e innovadora orquesta con la que realizó numerosas actuaciones hasta bien entrado el año 1974. Allí adquirió la formación suficiente para dar un salto de calidad en su carrera y colaborar en los grupos de las figuras consagradas del jazz: Max Roach, Dizzy Gillespie, Sonny Rollins, o Dexter Gordon.
Entre los años 1974-1976, trabajó en un musical de Broadway titulado: "The Witz" por el que conquistó un importante premio teatral. Esta faceta interpretativa continuó con su participación en la obra de Stephen Sthal, titulada: "Lady Day" interpretando a la mismísima, Billie Holiday, que se representó en Hamburgo, Londres y Paris y en la revista musical "Sophisticated Lady" sobre la música de Duke Ellington. Afincada en Paris desde mediados de los ochenta, ha grabado numerosos e importantes discos donde se observa la enorme influencia en su estilo de las cantantes, Nancy Wilson y la propia Sarah Vaughan. Desde el blues al scatt, pasando por los standars o los discos en directo, Dee Dee Bridgewater lleva camino de hacer historia en el mundo del jazz vocal y su registro en directo en el club Yoshi's de Oakland (San Francisco) fue todo un recital de saber cantar.
Entre los años 1974-1976, trabajó en un musical de Broadway titulado: "The Witz" por el que conquistó un importante premio teatral. Esta faceta interpretativa continuó con su participación en la obra de Stephen Sthal, titulada: "Lady Day" interpretando a la mismísima, Billie Holiday, que se representó en Hamburgo, Londres y Paris y en la revista musical "Sophisticated Lady" sobre la música de Duke Ellington. Afincada en Paris desde mediados de los ochenta, ha grabado numerosos e importantes discos donde se observa la enorme influencia en su estilo de las cantantes, Nancy Wilson y la propia Sarah Vaughan. Desde el blues al scatt, pasando por los standars o los discos en directo, Dee Dee Bridgewater lleva camino de hacer historia en el mundo del jazz vocal y su registro en directo en el club Yoshi's de Oakland (San Francisco) fue todo un recital de saber cantar.
EL MUSIC DE LA SETMANA
Brad Mehldau nace en 1970, en Jacksonville, Florida y desde niño inicia sus estudios de música clásica. Más tarde en plena adolescencia descubre los sonidos del jazz escuchando a Miles Davis y Bud Powell. Se traslada a Nueva York donde estudiará piano con grandes maestros, entre ellos, Jimmy Cobb quién adivinando el talento del joven pianista lo integra en su banda: Cobbs' Mob. Su nombre comenzó a ser conocido internacionalmente como miembro del cuarteto de Joshua Redman, con quien grabó el disco: Mood Swing y al que acompañó en gira por Estados Unidos y Europa durante año y medio. En 1994 graba su primer disco titulado: When I Fall in Love bajo el nombre de Mehldau & Rossy trío para Fresh Sound Records; al año siguiente y ya bajo su personal liderazgo, crea su propio trío con Larry Grenadier, al contrabajo, y Jorge Rossy a la batería lanzando su disco de debut como líder: Introducing Brad Mehldau. Su segundo álbum: The Art of the Trío , Volume One (1997, Warner) obtuvo un impresionante recibimiento entre la crítica, lo que propició extensas giras internacionales. Como su propio título anunciaba, al primero siguieron entre 1997 y 2001 otros cuatro volúmenes de una serie que se ha convertido por derecho propio en el mejor trabajo pianístico de jazz contemporáneo.
En 1999, grabó Elegiac Cycle, un trabajo de piano sólo donde Mehldau dio libertad a su faceta de compositor con una serie de elegías impregnadas de clasicismo y una atmósfera bella y misteriosa. A continuación llegó quizás el único borrón de su carrera con el disco: Largo (2002), donde Mehldau reelabora temas del repertorio de The Beatles, Antonio Carlos Jobim o Radiohead. En 2003, graba el que hasta el momento es su último disco: Live in Tokio, un álbum que reconcilia al pianista con sus seguidores jazzisticos y que musicalmente supone una confirmación del estilo desarrollado por Mehldau en sus trabajos con el trío y muy especialmente del trabajo de "Elegiac Cycle". Grabado en directo en el Sumida Triphony Hall de Tokio, el 15 de Febrero de 2003, el pianista utiliza un sinfín de texturas sonoras desplegadas a lo largo de todos los registros del piano y utilizando incluso los pedales.
Brad Mehldau combina la sofisticación de un aprendizaje clásico con una profunda sensibilidad jazzística, influenciado por músicos como Franz Schubert, Keith Jarrett o Bill Evans. Su técnica, a la vez que la poesía y lirismo que expresa en sus interpretaciones y composiciones, se ha ganado el respeto y admiración unánimes de la crítica y el público. Desde la aparición del primer volumen de la serie "The Art Of The Trío" la proyección de Brad Mehldau como uno de los grandes músicos aparecidos en los últimos tiempos no ha cesado de crecer logrando la poco frecuente unanimidad de crítica y público. El joven pianista atesora algunas de las mejores cualidades de los grandes maestros, como esa profunda contención bajo la que sólo se vislumbra su apabullante técnica, esa que le permite crear una increíble polifonía en los momentos más vibrantes de sus conciertos.
Apoloybaco tuvo la dicha el 13 de Noviembre de 2004, de contemplar en directo en el Teatro Central de Sevilla el espectáculo de este enorme trío de jazz que combina exquisitamente el melodismo de Larry Grenadier al contrabajo y el matiz, siempre preciso, de la batería de Jorge Rossy. El trío de Brad Mehldau - que cada vez parece menos exagerado situar entre los mejores de las ultimas décadas en el jazz - transmite toda clase de emociones: nostalgia, melancolía, amargura, excitación, y sus discos alcanzan en ocasiones el sentido de lo sublime. A Mehldau la crítica le ha comparado desde un principio de forma constante y repetida, incluso con alguna queja del propio pianista, con uno de los más grandes pianistas de todos los tiempos: Bill Evans. Esta circunstancia, además de no añadirle presión, ha servido para que los aficionados vean en él, el Bill Evans del Siglo XXI en el piano de jazz. La historia y su música lo dirán.
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SONNY ROLLINS
Theodore Walter "Sonny" Rollins (New York, 1930) nació en el seno de una familia de emigrantes venida desde Las Islas Vírgenes, en las Antillas. Su hermano tocaba el violín y el comenzó desde pequeño a tocar el piano. Por aquella época y siendo adolescente, compatilizaba sus estudios en la Universidad con el saxofón alto, instrumento utilizado por Louis Jordan, por aquel entonces muy popular. Pasada esa afición inicial al saxo alto, adoptó definitivamente el saxo tenor y en New York, comenzó a frecuentar los ambientes boopers, y con dieciocho años, participó en sus primeras sesiones de grabación bajo la dirección del cantante Babs Gonzales, con el sello Capitol y con el trombonista, Jay Jay Johnson para Savoy. Ese mismo año de 1948, el pianista, Bud Powell, le elegía para formar parte de un quinteto -junto al trompetista, Fats Navarro - que dejó para la posteridad, los álbumes "Bouncing With Bud" y "Dance of the Infidels" para Blue Note ambos. Al año siguiente empezó a grabar regularmente para la casa Prestigie, bajo el liderazgo de Miles Davis, y ya en diciembre llegaron los primeros discos a su nombre.
Con una progresiva maduración artística e instrumental, Sonny Rollins, grabaría en 1953 y 1954 al lado de The Modern Jazz Quartet, Tkelonious Monk, Art Farmer y especialmente, con Miles Davis, y en una de esas sesiones de grabación, tuvo por fin la oportunidad de grabar con su idolatrado, Charlie Parker. En aquel año presentó sus primeras composiciones y algunas de ellas se han convertido con el paso del tiempo en estándares del jazz, como : "Óleo", "Airegin" y "Doxy". Dejó New York con una excelente reputación y se instaló en Chicago donde coincidió con su amigo, el batería, Max Roach, que actuaba con un quinteto en el que estaba, Clifford Brown, a la trompeta. Roach le propuso unirse a ellos en sustitución del saxo tenor, Harold Land, y su permanancia con el baterista, duró año y medio.
Sonny Rollins, grabaría al año siguiente el disco cumbre de su carrera: "Saxophone Colossus" (Prestige, 1956) con Tommy Flanagan al piano, Doug Watkins, al bajo y Max Roach a la batería. En ese disco está el tema: "St. Thomas", una composición que inaugura las inclinaciones de Rollins por el calipso -una herencia materna - y la obra maestra, "Blue Seven", un blues conceptualmente extraordinario. Aquel gran año, se cierra con Sonny Rollins de jazzman de Thelonious Monk en el disco "Brilliant Corners", otra logradísima obra de Monk. Al año siguiente modifica el formato de su música y cambia el soporte del piano y opta por el contrabajo y la batería. Así graba "Way Out West" (Contemporary, 1957), la maratoniana sesión en el Village Vanguard (Blue Note, 1957) y la "Freedom Suite" (Riverside, 1958). A pesar de su extraordinario éxito en los cincuenta, y de estar considerado uno de los grandes saxofonistas del momento, la aparición de Ornette Coleman y la eclosión de Coltrane, en su etapa moderna, le habían desplazado de la vanguardia del jazz de la época.
Decidió tomarse un respiro de un par de años donde se le veía muy a menudo ensayando de noche en el puente neoyorquino de Williamsburg -que une Manhattan con Brooklyn -y a la vuelta grabó para RCA en enero de 1962, otro de sus grandes discos: "The Bridge". En ese álbum, se ve a un Sonny Rollins sereno, majestuoso y con un estilo depurado. El cuarteto que acompañó a Rollins en esa grabación fue: Jim Hall a la guitarra, Bob Cranshaw, al contrabajo y Ben Riley a la batería. Al año siguiente graba con el maestro Coleman Hawkins, otro disco extraordinario a pesar de que ambos tocaban un sonido radicalmente distinto. En 1966 grababa la banda sonora de la película "Alfie" protagonizada por Michael Caine y al año siguiente reúne la rítmica de Coltrane -Elvin Jones a la batería, Jimmy Garrison al contrabajo- mas Freddie Hubbard a la trompeta para grabar su postrero intento de subirse a la corriente free del jazz: "Broadway Run Down" (Impulse, 1966).
Un nuevo retiro, esta vez desde 1969 a 1971 donde inicia un flirteo con el jazz rock que no parece convencerle. Visita la India, estudia yoga y religiones asiáticas y desconcierta a los críticos y puristas que, sin embargo, no se fijan en que Rollins conserva en el jazz rock mas elementos del bop que ningún otro músico. Ya, a principios de los ochenta, volverá a ser ese improvisador impetuoso y lírico que ha dejado atrás sus inquietudes. Riguroso y austero, preocupado por la perfección, no cesará jamás de explorar el jazz. Hoy, ya septuagenario y con un reciente disco en la calle "This is Whaty it Do" (Milestone, 2000) Sonny Rollins, es, sin duda alguna, el último de los gigantes del jazz que continúa con vida.
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BIOGRAFIA FACILITADA PER:
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Louis Armstrong, nació el 4 de julio de 1900 en New Orleáns (Louisiana) en el seno de una familia muy pobre y en uno de los barrios marginales de aquélla ciudad. Sin antecedentes musicales en su familia, su interés por este arte se germina oyendo tocar en su ciudad natal las célebres bandas neorleanesas que desfilan habitualmente por las avenidas de la ciudad. Su primer contacto con la música tuvo lugar en un reformatorio para niños abandonados cuando es admitido por buena conducta en la banda del reformatorio. Allí aconsejado por el director musical de la misma, Peter Davis, opta por la trompeta entre otros otros instrumentos.
Cuando en 1914 sale del reformatorio, empieza a trabajar en los cabarets de Storyville, donde estaban concentrados todos los locales nocturnos de la ciudad, y allí conoce al cornetista, King Oliver. En 1918, con una bien ganada reputación como cornetista, es contratado por el director de orquesta, Kid Ory. Poco tiempo después, es Fate Marable, quien se fija en él para que se incorpore a su prestigiosa banda que actúa diariamente en los barcos de vapor que navegan por el Mississippi.
En 1922, llega su gran oportunidad: King Oliver lo llama para que se incorpore a su "Creole Jazz Band" en Chicago. Allí comienza su apoteósica carrera. Graba sus primeros discos y su fama llega a oídos del mismísimo, Fletcher Henderson, el mejor director de orquesta negro del momento, quien le ofrece un contrato para que se una a su banda. En sólo un año, revoluciona el estilo y la forma de tocar de sus compañeros y graba con las mejores cantantes de blues de la época, entre otras con la gran, Bessie Smith. Deja la banda de Fletcher, y entre 1925 y 1928, inicia uno de los capítulos mas trascendentales de la historia del jazz. Forma sus dos propios grupos, primero los "Hot Five" y luego los "Hot Seven" y las grabaciones de aquellos años constituyen la semilla germinal de todo el jazz que hoy conocemos.
Son diecisiete años al frente de grandes formaciones. Viaja a Europa por primera vez en 1932, vuelve en 1934 consiguiendo un espectacular éxito en Paris. Hollywood lo reclama y aparece en numerosas películas de desigual calidad. A mediados de los años cuarenta, forma su celebérrimo grupo: "All Stars" con el trombonista, Jack Teagarden, el clarinetista, Barney Bigard, el pianista, Earl Hines, el baterista, "Big Sid" Catlett, y el contrabajista, Arvell Shaw. Con ellos, Louis Armstrong se presenta el 13 de agosto de 1947 en el club: "Billy Berg's" de Los Ángeles y esa nueva etapa, se prolongaría hasta el final de su vida. Grabó innumerables discos, ofreció magníficos conciertos, sus músicos se renovaban sin que la calidad del grupo se resquebrajara, y el mundo entero escuchó a Louis Armstrong llevar su sempiterna sonrisa por los cinco continentes hasta que dos días después de celebrar su 71 cumpleaños, el corazón le dejó de funcionar. Falleció en su casa de Corona (New York) el 6 de julio de 1971.
Cuando en 1914 sale del reformatorio, empieza a trabajar en los cabarets de Storyville, donde estaban concentrados todos los locales nocturnos de la ciudad, y allí conoce al cornetista, King Oliver. En 1918, con una bien ganada reputación como cornetista, es contratado por el director de orquesta, Kid Ory. Poco tiempo después, es Fate Marable, quien se fija en él para que se incorpore a su prestigiosa banda que actúa diariamente en los barcos de vapor que navegan por el Mississippi.
En 1922, llega su gran oportunidad: King Oliver lo llama para que se incorpore a su "Creole Jazz Band" en Chicago. Allí comienza su apoteósica carrera. Graba sus primeros discos y su fama llega a oídos del mismísimo, Fletcher Henderson, el mejor director de orquesta negro del momento, quien le ofrece un contrato para que se una a su banda. En sólo un año, revoluciona el estilo y la forma de tocar de sus compañeros y graba con las mejores cantantes de blues de la época, entre otras con la gran, Bessie Smith. Deja la banda de Fletcher, y entre 1925 y 1928, inicia uno de los capítulos mas trascendentales de la historia del jazz. Forma sus dos propios grupos, primero los "Hot Five" y luego los "Hot Seven" y las grabaciones de aquellos años constituyen la semilla germinal de todo el jazz que hoy conocemos.
Son diecisiete años al frente de grandes formaciones. Viaja a Europa por primera vez en 1932, vuelve en 1934 consiguiendo un espectacular éxito en Paris. Hollywood lo reclama y aparece en numerosas películas de desigual calidad. A mediados de los años cuarenta, forma su celebérrimo grupo: "All Stars" con el trombonista, Jack Teagarden, el clarinetista, Barney Bigard, el pianista, Earl Hines, el baterista, "Big Sid" Catlett, y el contrabajista, Arvell Shaw. Con ellos, Louis Armstrong se presenta el 13 de agosto de 1947 en el club: "Billy Berg's" de Los Ángeles y esa nueva etapa, se prolongaría hasta el final de su vida. Grabó innumerables discos, ofreció magníficos conciertos, sus músicos se renovaban sin que la calidad del grupo se resquebrajara, y el mundo entero escuchó a Louis Armstrong llevar su sempiterna sonrisa por los cinco continentes hasta que dos días después de celebrar su 71 cumpleaños, el corazón le dejó de funcionar. Falleció en su casa de Corona (New York) el 6 de julio de 1971.
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BIOGRAFIA FACILITADA PER
APOLO Y BACO
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Hank Jones (Vicksburg, 1918) se inicio en el jazz junto a sus hermanos, el trompetista, Thad Jones, y el baterista, Elvin Jones. Muy pronto se ganó una estimable reputación como pianista cuando colaboró a mediados de los años cuarenta con músicos importantes del jazz como: Coleman Hawkins, Howard McGhee, John Kirby o Andy Kirk.
Influenciado claramente por Art Tatum primero y Teddy Wilson después, Jones se da a conocer internacionalmente en 1947 cuando acompaña a la gran cantante de jazz, Ella Fitzgerald en el tour de la organización "Jazz at the Philarmonic" de ese año. En 1947 tuvo asimismo la oportunidad de tocar en el grupo del genio del saxo alto, Charlie Parker. En la década de los cincuenta su actividad musical es intensisisima y graba en estudio y en directo acompañando a los grandes del jazz de aquélla década.
En 1959, forma parte del staff artístico del sello CBS, una relación musical extraordinaria que dura hasta 1976, diecisiete años después. En 1977 graba en el Village Vanguard de New York un par de discos extraordinarios con su formación a la que denominó: "The Great Jazz trío" con el baterista, Tony Williams y el contrabajista, Ron Carter. Ambos fueron luego sustituidos por Jimmy Cobb y Eddie Gómez.
Hank Jones, es un pianista excepcional que todavía hoy continua en activo con la lógica intensidad que su edad le permite.
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WOODY SHAW
BIOGRAFIA EXTRETA DE LA PAGINA OFICIAL
DE WOODY SHAW
Va créixer a Newark, Nova Jersey, i va començar a tocar la corneta als 9 anys estudiant al Elks Junior Institut.Encara que la trompeta no va ser la seva primera elecció com instrument ,Shaw va aprendre a tocar-la mentre assistia a Cleveland Junior High School als 11 anys sota la direcció de Jerome Ziering, un director de la banda local i professor de trompeta a la qual Woody acredita gran part del seu desenvolupament musical primerenc. Shaw va ser un estudiant avançat amb pas perfecte i una memòria fotogràfica i, com a resultat de la seva alta aptitud, poc després va començar a assistir al Arts High School.
Lany 1961 Shaw feia les següents declaracions a una entrevista:
"La trompeta no era la meva primera elecció per a un instrument. De fet, la vaig tocar per imposició. Quan em van preguntar el que volia tocar al XVIII Avenue School Band, vaig triar el violí, però va ser massa tard, ja tots els violins van ser adjudicats a d'altres nens. La meva segona opció era el saxòfon o el trombó, però a l'igual que els violins ja tenien amo. L'únic instrument que quedava era la trompeta, i jo sentia, per què he de carregar amb aquest tros de llauna.”
El Arts High School te una gran història Jazzistica. Molts artistes de Jazz notables han assistit a l'escola, incloent: Sarah Vaughan, Wayne Shorter, Larry Young, i Grachan Moncur III, entre d'altres.
Una de les primeres inspiracions de Woody més importants, en termes de trompeta, va ser Louis Armstrong.
Woody va saber més tard que havia entrat en el mon del Jazz com a trompetista en el mateix mes i any en que Brown va morir, un dels seus gran ídols de sempre. Es tracta d'un signe important per a ell i va sentir que hi havia una major "raó" per a això , una raó que confirma una connexió més profunda i afectiva en relació amb el seu lloc dins del llinatge dels mestres trompeta.Al Marge de Armstrong i Brown, Woody va tenir d'altres principals influències, és clar, Dizzy Gillespie, Fats Navarro,Clifford Brown, Miles Davis, Kenny Dorham, Booker Little, Freddie Hubbard i Lee Morgan.Woody particularment sentia una forta connexió amb Dizzy pel fet que el seu pare (Woody, Sr) i Dizzy havien anat a l'escola secundària junts a l'Institut Laurinburg a Carolina del Nord. Woody Shaw pare havia estat un cantant de Gospel Jubilee Singers amb la Diamond en la dècada de 1930.
El 1963, després de molts treballs professionals locals, va treballar per Woody Willie Bobo (amb Chick Corea i Joe Farrell) i també va realitzar i registrar com a acompanyant amb Eric Dolphy.. L'any següent, Dolphy el va convidar a unir-se a ell a París, però, Dolphy va morir sobtadament poc abans de la partida de Shaw. Tot i aixi va decidir fer el viatge, però, va trobar una feina estable a París amb un amic proper Nathan Davis i músics com Bud Powell, Kenny Clarke, Johnny Griffin, i Artur Taylor.
El 1963 Woody tocaria amb freqüència a París, Berlín i Londres amb un grup que incloïa Nathan Davis, Larry Young, i Billy Brooks finas ben arribat el 1965. Aquell mateix any Shaw torna a USA i toca amb Horace Silver's quintet (1965-1966) i eventualment enregistra amb Chic Corea (1966-1967), Jackie McLean (1967), Booker Ervin (1968), McCoy Tyner (1968), i Andrew Hill (1969). En 1968-69 va treballar de manera intermitent amb Max Roach, amb qui va aparèixer en un festival a l'Iran, i durant el mateix període va començar a treballar com a músic d'estudi i en orquestres per als musicals de Broadway.
A partir de llavors, Woody continuar gravant amb musics com Pharoah Sanders, Hank Mobley, Gary Bartz, i Archie Shepp, i finalment va formar un quintet amb Joe Henderson el 1970 amb la sempre estimable col·laboració dels grans George Cables , Lenny White, i Ron Carter.De (1971-1973) Shaw va signar un important compromís amb Art Blakey i els Jazz Messengers, gravant tres discos per Fantasy Records . Despres va d'instal·lar-se definitivament a San Francisco, on coodirigia un grup amb Bobby Hutcherson, on poc després van sortir dues espectacular gravacions a nom de Hutcherson: "Live at Montreux" i "Cirrus" (Blue Note).
Finals dels 70 a principis dels 80 seria un període molt pròsper per Woody Shaw com a solista, líder de banda, compositor i també com pare, el 1978 el seu fill, Woody Shaw III , va néixer i es convertiria en una font d'inspiració per a un dels més importants gravacions de Shaw (WOODY III, anomenat així pel nen acabat de néixer). Entre els acompanyants regulars en aquest període (1977-1983) van ser el saxofonista Carter Jefferson; pianista Onaje Allan Gumbs, el baixista James Stafford, i el bateria Victor Lewis, i des de 1980 fins 1983 el seu quintet el pianista Mulgrew Miller, el trombonista Steve Turre, James Stafford una vegada més, i el bateria Tony Reedus. Després de gires i gravacions amb un grup amb constants canvis de personal, el 1986, Shaw va formar un nou quintet amb Larry Willis (també el seu acompanyant 1979-1980), el baixista David Williams, i la baterista Teri Lynne Carrington.
Igual que molts genis, però, el viatge de Woody implicaria períodes de prolongada lluita i dificultats, però a través del seu sacrifici i dedicació a l'evolució de la seva música , el seu Jazz es va afegir al vocabulari de la trompeta i va crear un llenguatge musical que era tot seu.De moltes maneres, ell és el veritable innovador del seu instrument i està consolidat com un dels principals contribuents en la línia dels grans trompetistes moderns que va començar amb Louis Armstrong. .
D'altra banda, la sortida anticipada de Shaw (10 de maig 1989),tenint en compte la sevu enorme paper com un dels líders de la seva generació, ens ajuda a adonar-nos del molt que va aconseguir en un període tan curt, i fins a quin punt va anar per davant del seu moment en que realment era, i segueix sent-ho. un dels ultims innovadors.
L'escala i la complexitat dels seus èxits són comparables a les dels més grans innovadors de la música moderna, i per tant les seves contribucions en viu per sempre mes seran com una tremenda font d'aprenentatge per a les generacions futures, i com una representació veritable de la dignitat que caracteritza el llegat profund del Jazz Modern.
A dia d'avui, els músics i els aficionats sovint es refereixen a Woody Shaw com "l'últim gran innovador" en el llinatge històric de las trompeta en Jazz.
Traduccio i adaptacio : Andreu Fábregas
EL MUSIC DE LA SETMANA
Del saxofonista, Stan Getz, i tal como dijo en su famoso libro: "El jazz, de los orígenes a nuestros días", el famoso critico Joachim E. Berendt en los años cincuenta recordamos la siguiente frase:"...Es un virtuoso que puede tocar lo que sea posible con un saxo tenor". Y en efecto, estamos ante uno de esos músicos que consiguen un dominio absoluto de su instrumento poniéndolo al servicio de una inspiración creativa, permanentemente renovada y casi sin limites. Pero también Stan Getz, es uno de los más originales estilistas de toda la historia del jazz y que para muchos es considerado uno de los cinco saxofonistas tenores verdaderamente revolucionarios en la historia de esta música.
Con capacidad para producir emotividad sonora, sugerente en las baladas y creativo y espléndido en los tiempos rápidos, su arte estuvo influenciado en la forma de tocar de Charlie Parker por un lado - el mensaje de Bird caló hondo en Stan Getz- , y en las maneras relajadas y fluidas del saxo de Lester Young. Su infancia se desarrolló en el barrio neoyorquino del Bronx adonde sus padres emigraron desde la Filadelfia natal en 1931, recién cumplidos los cuatro años. A los quince años debutó como músico profesional en la orquesta de Dick Rogers y durante nueve largos años estuvo sucesivamente en una decena de bigbands en permanente aprendizaje, entre ellas, las de Jack Teagarden, Jimmy Dorsey, o incluso la del "rey del swing", Benny Goodman, con quien grabaría sus primeros solos en disco. Se trasladó a la Costa Oeste americana donde logró formar su propio trío con el que actuó en en el "Swing Club" de Hollywood.
En 1947 y después de un largo periodo actuando en pequeñas formaciones, el director de orquesta, Woody Herman, los contrató a todos para su orquesta y así fue como Stan Getz, entra formar parte de una de las mejores bandas de jazz de la historia, y con ella, fue fundamental en el advenimiento del llamado "cool jazz", especialmente cuando un año mas tarde, en diciembre de 1948, grabó su histórico solo en "Early Autumn". De la noche a la mañana, su nombre saltó a la fama internacional, le pusieron el sobrenombre de "The Sound" y decenas de saxofonistas se lanzaron desaforadamente a tratar de imitarlo. Cuando dejó la orquesta de Woody Herman en 1949, su carrera ya era imparable y se adentró en la década siguiente cubierto de popularidad.
En 1952 fichó como tantas otras estrellas del jazz por la organización de Norman Granz, donde recorrió medio mundo tocando el saxo. En aquel periodo tuvo sus primeros problemas con la droga, pero consiguió desintoxicarse en Suecia done permaneció alternando su presencia con otro país donde lo veneraban: Dinamarca. Cuando regresó a EE.UU., comprobó que la estrella de John Coltrane, brillaba con luz propia en el escenario musical del jazz y del saxo tenor, pero no se inmutó. Su respuesta fue la grabación de una obra maestra con su álbum grabado para Verve en 1961 titulado "Focus". Pero lo que realmente le devolvió a la primera fila de la actualidad jazzistica fue su viraje hacia los ritmos sudamericanos cuando grabó en 1962 junto al guitarrista, Charlie Bird, el disco de bossa nova "Jazz Samba", aunque todavía fue mejor y mas logrado el grabado el año siguiente con Gilberto, el guitarrista brasileño y que titulo "Getz/Gilberto" también para Verve. sin embargo, Stan Getz, no se dejó cautivar por los cantos de sirenas y el era sobretodo, un jazzman de los pies a la cabeza y por su grupo de los años sesenta pasaron futuras grandes generaciones de músicos como Chick Corea o Gary Burton.
Los años setenta y ochenta se los pasó grabando infinidad de discos con una calidad alta y sólo interrumpió su trabajo en 1988 cuando le diagnosticaron un cáncer de hígado. Murió tres años después, el 6 de junio de 1991.
LA PAGINA APOLO Y BACO ES UNA RECOMANACIO DEL CAMPS DE COTO.
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