EL CAMPS DE COTO RECOMANA

-THE COMPLETE
STANLEY DANCE-
       FELSTED





THE COMPLETE STANLEY DANCE FELSTED 'mainstream Jazz' RECORDINGS 1958-1959 (9-cd Box Set)

Entre Enero de 1958 y Abril de 1959 el afamado crítico, escritor y productor de jazz inglés Stanley Dance, viajó a los Estados unidos para producir nueve discos de jazz para la filial del sello discográfico London Records (Felsted). El resultado de estos nueve discos produjo una música que fue catalogada como “mainstream jazz” (una descripción de esta corriente la llevo a cabo el propio Stanley Dance en las contraportadas de los discos originales) y su publicación tenía inicialmente el mercado europeo como destinatario final.

La presente caja de 9 CD permite por primera vez disfrutar al completo de todos los discos publicados en el sello discográfico Felsted. Algunos de los discos originales se encontraban completamente descatalogados o eran de muy difícil localización, y nunca antes habían aparecido en formato CD. Para la presente edición se reproducen las portadas originales de los vinilos publicados en su momento así como todos los comentarios que llevó a cabo el propio Santley Dance en un libro de 44 páginas perfectamente documentado. Los líderes de los nueve discos son, Rex Stewart, Earl Hines-Cozy Cole, Buster Bailey, Buddy Tate, Coleman Hawkins, Dicky Wells, Budd Johnson, Billy Strayhorn y Dicky Wells, quien son acompañados por algunos de los mejores músicos de aquellos años como por ejemplo Buck Clayton, Charlie Shavers,Johnny Hodges, Vic Dickenson, Willie “The Lion” Smith, Hank Jones, Kenny Burrell, Ray Brown o Jo Jones, entre otros.

La música que desprende de todos los discos sigue los cánones del estilo “mainstream” de los años cincuenta, y en concreto un especial gusto por el swing como parte esencial de su discurso musical. Dentro de estas grabaciones destaca el volumen cuarto dedicado a Buddy Tate que titulado de forma clara y contundente Swinging Like… Tate!, certifica el estilo que lleva a la cabo la escuela anteriormente citada, todo ello secundado por una sonoridad elegante y majestuosa y por un grupo de músicos que le a arropa a la perfección. Otro interesante disco de la presente edición es el volumen cinco protagonizado por Coleman Hawkins, quien acompañado por un grupo de ensueño (Buck Clayton, Ray Brown y Hank Jones) ofrece un repertorio extremadamente melódico y suave como la versión que protagonizan de la celebérrima balada “My One and Only Love". También resaltar el volumen octavo dedicado a Billy Strayhorn,Cue for Saxophone, que permite comprobar la excelente habilidad que tuvo tanto como improvisador y pianista el colaborador habitual de Duke Ellington. La sesión resulta deliciosa gracias a la colaboración del saxo alto Johnny Hodges y el trompetista Harold “Shorty” Baker. Por ultimo reseñar el volumen noveno protagonizado por el trombonista Dicky Wells, Trombone Four-In-Hand. Una grabación a cargo de cuatro trombones, al citado Wells se unieron, Vick Dickenson, Benny Morton y George Matthews, todo un acontecimiento en los años cincuenta pero que proporciona una musicalidad rica en matices, colores y sonoridades, tal y como sucede en el conocidísimo tema de Rogers y Hart “Blue Moon”, apuntar en este disco la excelente aportación de Kenny Burell a la guitarra.

En resumen, una caja que hará las delicias de más de un aficionado y que sin duda alguna no puede faltar en una buena discoteca de jazz que se precie del estilo “mainstream”.

INFORMACIO EXTRETA DE http://jazzrecordings.blogspot.com

Music de la setmana

STEVE SWALLOW

Nacido en Nueva York en 1940, Swallow pasó su infancia en Fair Lawn, New Jersey. Inició sus estudios de piano y trompeta, pero con 14 años descubre el jazz y adopta el contrabajo. Ingresa en la Yale University para estudiar composición con Donald Martino y comienza su carrera profesional de la mano de músicos como Pee Wee Russell, Buck Clayton o Vic Dickenson.

En 1960 conoce a Paul Bley y pasa a formar parte del grupo del pianista. Durante esos años trabaja con Gary Burton, Jimmy Giuffre, Stan Getz o The Art Farmer Quartet, donde coincide con Jim Hall e inicia su carrera como compositor. En 1970 abandona el contrabajo para siempre, adoptando en su lugar el bajo eléctrico. Se instala en California, donde permanece hasta 1973 ampliando su faceta de compositor por encargo del pianista Art Lande.4

En 1978 comienza a trabajar con Carla Bley, con la que establece una relación sentimental y con quien continúa colaborando hasta la actualidad. Durante el resto de la década y hasta el presente, Steve Swallow desarrolla una incesante actividad como músico de sesión y como compositor.

Actualmente vive con Carla Bley en Nueva York.

Steve Swallow ha colaborado, entre otros, con Paul Bley, The Jimmy Giuffre Trio, George Russell’s sextet, Joao Gilberto, Sheila Jordan, Benny Goodman, Marian McPartland, Chico Hamilton, Al Cohn, Zoot Sims, Clark Terry, Bob Brookmeyer, Chick Corea, Dizzy Gillespie, Michael Brecker, George Benson, Herbie Hancock, Stan Getz, Bob Moses, Steve Lacy, Michael Mantler, Kip Hanrahan, Hal Willner, Carla Bley, Dr. John, James Taylor, John Scofield, Joe Lovano, Motohiko Hino, Ernie Watts, Michael Gibbs, Rabih Abou-Khalil, Herni Texier, Michel Portal o Allen Ginsberg. Además, entre los artistas que han grabado sus composiciones podemos citar a Bill Evans, Chick Corea, Stan Getz, Gary Burton, Art Farmer, Phil Woods, Jack DeJohnette, Steve Kuhn o Lyle Mays.

Uno de los bajistas eléctricos preferidos de numerosos críticos, Swallow fue uno de los primeros contrabajistas en pasarse por completo al bajo eléctrico, un instrumento en el que tiende a enfatizar el registro agudo, como sí fuese una guitarra.9 y que ejecuta con púa

La discografía a su nombre, no muy extensa, goza de una calidad reconocida por la crítica como fuera de lo común,10 lo que ha permitido situarse a Swallow como uno de los músicos que más han influido en el desarrollo de la música de fusion.

MUSIC DE LA SETMANA

KURT ROSENWINKEL

Va assistir a la Berklee School of Music durant dos anys i mig.El seu primer any de gira va ser amb Gary Burton , el degà de l'escola en el moment. Posteriorment, es va traslladar a Brooklyn , on va continuar desenvolupant les seves habilitats amb la guitarra de jazz tocant amb el recient desaparegut bateria Paul Motian i els seus Electric Bebop Band, amb el Joe Henderson Group, i li va ser atorgada la Beca Brian Blade . Durant aquest temps va començar a fer servir l'efecte "Lavalier" un micròfon alimentat al seu amplificador de guitarra que combina la seva vocalització amb la seva guitarra convertint-se aquesta peculiaritat en una marca del seu so tant en directe com en estudi.

El 1995 va guanyar el Premi del compositor de la National Endowment for the Arts i va ser signat per Verve Records .Des d'aleshores, ha tocat i gravat tant com a líder i acompanyat de companys d'exalumnes o de figures com ara Mark Turner i Brad Mehldau, així com molts altres. Durant la seva permanència amb The Verve va col · laborar amb Q-Tip de A Tribe Called Quest , que co-va produir el seu àlbum d'estudi Heartcore(2003) i que tambe va comptar amb el baixista Ben Street , el bateria Jeff Ballard i el saxofonista Mark Turner i va ser un punt de partida del procés de la composició habitual de Rosenwinkel, barrejant elements de jazz , de rock i d'altres.

Rosenwinkel des de llavors ha llançat un àlbum doble en viu com un líder de la banda. L'àlbum es titula The Remedy - Live at the Village Vanguard (2008) i compta amb Mark Turner , Aaron Goldberg , Joe Martin i Eric Harland . El 10 de novembre de 2009, va publicar un enregistrament Rosenwinkel trio: Reflections (2009) que compta amb Eric Revis en el baix i Eric Harland a la bateria. 7 setembre 2010 es va llançar el seu novè àlbum com a líder titulat Kurt Rosenwinkel i OJM: El Món Secret (2010) i les característiques OJM una banda formada per 18 musics de Porto, Portugal.

Originari de Filadèlfia , Kurt Rosenwinkel resideix actualment a Berlín , Alemanya, elevant els seus dos fills Silas i Esdras i servir com a professor de guitarra de jazz a la Hochschule für Musik Hanns Eisler.

Music de la Setmana

DAVE
DOUGLAS


BIOGRAFIA

El trompetista Dave Douglas creció en el área metropolitana de Nueva York y comenzó a tocar piano a la edad de cinco años y el trombón a los siete, antes de descubrir la trompeta dos años después. Aprendió jazz y armonía clásica en la secundaria y comenzó a tocar música improvisada durante un intercambio estudiantil que pasó en Barcelona, España, en 1978. Entre 1981 y 1983, Douglas estudió en Boston en la Escuela de Música de Berklee en el Conservatorio de New England. Douglas suele mencionar a John Coltrane y Stevie Wonder como sus primeras influencias en su música. Luego de mudarse a Nueva York en 1984 concurrió a la New York University, estudiando trompeta con Carmine Caruso y tocando en diferentes puntos de la ciudad con grupos experimentales de jazz y funk.

De 1987 a 1990 estuvo de giras internacionales con artistas tales como Horace Silver, Vincent Herring, Tim Berne, Don Byron, Dr. Nerve, y el Bread and Puppet Theater. Comenzó a grabar en los 90 y su discografía incluye grabaciones en los sellos Hat Art, Soul Note, New World, Arabesque, Songlines y Winter & Winter.Douglas ha recibido varios apoyos para su trabajo de diferentes instituciones como laNational Endowment for the Arts, Meet the Composer, el Mary Flagler Cary Charitable, y el Trust and Arts International, que financió su viaje a India en 1998.

El Vooruit Culture Center en Ghent, Bélgica, encargó recientemente a Douglas que escribiera música para el ensemble contemporáneo Ictus. El resultado, Flemish Primitives , se ejecutó en Ghent en marzo del 2002. El New York based Extension Ensemble le encomendó un quinteto de metal titulado Private Music que se estrenó en el 2001 y fue grabado por el grupo para su posterior lanzamiento en el mercado. La Biblioteca del Congreso apoyó con su fondo McKim Fund la composición de Irrational Exuberance en 1999 y esta pieza fue presentada en el Auditorio Coolidge de dicha Biblioteca por Mark Feldman y Sylvie Courvoisier en octubre de ese año.
Los grupos de Douglas han realizado amplias giras desde 1994, tocando en los mayores eventos y festivales de Jazz en los Estados Unidos, Canadá, el Reino Unido, Irlanda, Alemania, Austria, Francia, Holanda, Bélgica, España, Portugal, Italia, Polonia, Eslovenia, Suecia, Noruega, Suiza, Finlandia, Estonia, Australia y Nueva Zelanda.

Sumado a su trabajo como trompetista, compositor y líder de bandas de una ola de innovación, ruptura y de artistas social y políticamente comprometidos, Douglas desarrolla también tareas de educador. Ha dado master clases y workshops en universidades y escuelas en todo el mundo, incluyendo el Harvard College, la Universidad de North Texas, el Eastman College, y la New York University. En los últimos cinco años Dave Douglas ha sido denominado trompetista, compositor y artista de jazz del año en repetidas ocasiones por organizaciones como el New York Jazz Awards, Down Beat, Jazz Times, Jazziz, y la Sociedad Italiana de Críticos de Jazz.

Dave Douglas es ampliamente reconocido como uno de los músicos norteamericanos mas importantes que han surgido del jazz y la música de improvisación en las últimas década.

Biografia cedida per:

Apolo y Baco   www.apoloybaco.com  

MUSIC DE LA SETMANA

PEPPER ADAMS

Considerado como uno de los músicos mas prometedores de su época, a los 17 años ya trabajaba en la orquesta de Lucky Tohmpson en Detroit. Virtuoso del saxo barítono, donde llegó a ser uno de sus grandes instrumentistas, en 1957 fue elegido el mejor de la categoría de "New Stars" por la prestigiosa revista "Down Beat". En aquel tiempo era frecuente verle tocar entre los mas grandes como: Stan Kenton, Chet Baker o con el mismísimo Benny Goodman. En 1965 su carrera dio un impulso extraordinario cuando entró a formar parte de una de las grandes orquestas de jazz de los años sesenta, la del trompetista Thad Jones y Mel Lewis.

Pepper Adams, revolucionó la forma de tocar el saxo barítono y demostró que las posibilidades de utilización de dicho instrumento no se habían agotado.

Apodado "The Knife" (el cuchillo) por sus extraordinarios y cortantes "solos",Pepper Adams, forma junto al maestro Gerry Mulligan, la pareja mas extraordinaria de músicos blancos de jazz en tocar el saxo barítono.

Biografia cedida per Apolo y Baco

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MUSIC DE LA SETMANA

STANLEY
TURRENTINE.

Stanley Turrentine (Pittsburg 5 de Abril de 1934 - Nueva York 12 de septiembre del 2000). Figura legendaria del saxo tenor, el estilo de Turrentine abarca el hard bop y la fusión. Su forma de tocar se caracteriza por un sonido barroco, denso, enraizado en el blues, y por una constante imaginación y sensibilidad en la improvisación. Su obra más característica son sus sesiones de soul jazz para Blue Note en los años sesenta y una popular aproximación a la fusión a comienzos de los setenta.

Turrentine comenzó su carrera tocando con diversos grupos de blues y de R & Blues, muy influido musicalmente por Illinois Jaquet. Tocó con ray Charles en la banda de Lowell Fulson durante 1950-1951, y en 1953 reemplazó a John Coltrane en la primera banda de jazz y R & Blues de Earl Bostic. Tras su paso por el servicio militar a mediados de los cincuenta, Turrentine se unió al grupo de Max Roach; conoció a la organista Shirley Scott, con quien se casó en 1960 y con la que grabaría frecuentemente.

Tras trasladarse a Filadelfia, Turrentine consiguió buena química con otro organista, Jimmy Smith, acompañándole en el clásico de Smith de 1960 Back at the Chicken Shack, entre otros discos. También en 1960, Turrentine empezó a grabar como líder para Blue Note, concentrándose preferentemente en pequeños grupos de soul jazz, tocando temas clásicos como "That's Where It's At", pero también grabajando con los Three Sounds (en el disco Blue Hour de 1961) y experimentando con más amplios conjuntos a mediados de los sesenta. A comienzos de los años setenta, Turrentine y Scott se separaron y Turrentine se convirtió en un popular puntal del nuevo sello de Creed Taylor, CTI, orientado a la fusión; grabó cinco discos. Tuvieron una buena aceptación popular y fueran artísticamente valiosos, y la opinión crítica fue más favorable que la que recibió a finales de los setenta por su trabajo para Fantasy Records. Por lo demás, Turrentine siguió grabando con profusión y regresó al soul jazz en los ochenta y en los noventa.

Turrentine murió de un infarto en la ciudad de Nueva York el 12 de septiembre de 2000. Fue enterrado en el cementerio de Allegheny de Pittsburgh.

THELONIOUS
MONK

Magnifico pianista y extraordinario compositor, Thelonious Monk, (1917-1982), se traslada desde Rocky Mount, la localidad donde nació, con su familia a New York con apenas tres años. A los cinco o seis años ya golpetea las teclas y a los once recibe lecciones de piano. De adolescente acompaña al órgano y al piano a su madre, que canta en una iglesia baptista, y a comienzos de los años 30 empieza a tocar en un local de su barrio como integrante de un trío. Tras ganar un concurso de aficionados al piano en el famoso Theatre Apollo de Harlem, realiza breves estudios en la "JulliardSchool" en 1939 y mas tarde se asocia con el baterista Kenny Clarke, que por entonces trabajaba establemente en el "Minton's Playhouse" de Harlem, el club fundacional del bebop años mas tarde. Casi al mismo tiempo, Kenny Clarke, le presenta a Bud Powell, pianista habitual de ese club y con el que establece una buena amistad. 

     Es precisamente al lado de estos músicos y junto con el saxofonista alto, Charlie Parker, el trompetista Dizzy Gillespie, y el guitarrista, Charlie Christian, con quienes inventa el nuevo sonido del jazz moderno y que todos conocemos como bebop. Lasjam sessions del Minton's son rápidamente anunciadas de boca en boca y todos los músicos importantes de New York y todos los aficionados al jazz, pasan por Harlem para oír a los jóvenes músicos que se atrevieron a dar por terminada la era del swing con el nacimiento de la nueva y revolucionaria música. En 1944, Monk, conoce aColeman Hawkins, con quien toca en el Club Onyx de la Calle 52 y con el que graba sus primeros discos, que luego serían consideradas las primeras grabaciones  oficiales del bebop. Luego toca con el trompetista Cottie Williams y el saxofonistaSkippy Williams y en 1946, con la big band de Dizzy Gillespie. En 1947 graba finalmente bajo su nombre, en combo y en trío, para el sello Blue Note una serie de discos extraordinarios y actúa en diferentes clubes hasta 1951. Fue su época dorada. En aquellos años, ya con un estilo pianístico conciso y perfecto, con una madurez estilística consolidada y con la creatividad a flor de piel, Thelonius nos dejó sus mejores composiciones, algunas de ellas, verdaderas obras maestras que se han convertido con el paso del tiempo en verdaderos estándares del jazz. Tres hay que destacar necesariamente, la bella "Round About Midnight", su extraordinaria composición "Straigh No Chaser" y su clásico "Blue Monk"

     Pero desgraciadamente los buenos tiempos se le acabaron pronto y en 1951 es arrestado junto a Bud Powell por consumo de estupefacientes. Tras dos meses de cárcel le retiran el permiso de trabajo, lo que le impide actuar en los clubes de Nueva York hasta 1957. Fue casi una sentencia de muerte para su creatividad. En 1954, y tras una malísima racha económica solo superada por malísimos contratos mal pagados fuera de New York, y con una voluntad de hierro y arropado por su familia, no dejó nunca de componer ni de tocar el piano en su domicilio, hasta que en 1954, se cruzó en su vida la baronesa, Pannonica "Nica" de Koenigswarter, quien le ayuda económicamente hasta que le devuelven en 1957 el carné de músico. Nacido de nuevo para el jazz, Thelonious Monk, realiza una vuelta triunfal para tocar en el recién inaugurado club, Five Spot con John Coltrane y mas tarde, con Johnny Griffin y Roy Haynes. El éxito fue tan rotundo que el contrato se prolongó por espacio de seis meses y comenzaron las giras por Europa y Japón -donde ofrece en Tokyo, un concierto extraordinario- y actuaciones por doquier en conciertos y festivales. Incorpora a su grupo al saxofonista Charlie Rouse (1959-1970); alguna que otra vez actúa en big band y a partir de 1961 toca sobre todo en cuarteto. En 1971, tras una hospitalización, aceptó unirse a una gira europea del grupo "The Giants Of Jazz" junto a Dizzy Gillespie y Art Blakey entre otros. Finalmente grabó con Blakey y el bajista, Al McKibbon y también a piano solo, en una sola session en Londres tres magníficos álbumes que luego resultarían ser sus últimos discos.

     En efecto, al año siguiente, en 1972, después de muy escasas apariciones, se retira y se encierra en el mutismo hasta su muerte en 1982. Sin dar explicaciones a nadie, debió decidir que estaba cansado y no volvió a parecer mas en publico. Los diez años que todavía vivió los pasó encerrado en su casa o temporalmente en casa de su protectora la baronesa "Nica". Algunas visitas por su cumpleaños de sus amigos, especialmente Charlie Rouse, transcurrían en el silencio mas absoluto. Finalmente una hemorragia cerebral el 17 de febrero de 1982 puso fin a su vida en elHospital de Englewood de New Jersey, pero no a su historia.

     Thelonious Sphere Monk, sigue viviendo en su música. 

Biografia cedida per Apolo y Baco   

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MUSIC DE LA SETMANA

CHICK COREA

Chick Corea, es un pianista singular dada su formación musical simultanea entre el jazz y la música clásica. Se introdujo en los ambientes profesionales a mediados de los años sesenta de la mano de los percusionistas, Mongo Santamaría o Willie Bobo y guiado por su pasión por la música latina, acompañó a numerosas figuras del momento como Cal Tjader, Stan Getz o  Woody Show.

     Su participación en el disco conceptual del "jazz rock" de Miles Davis: "Bitches Brew" le reportó enormes beneficios en el aspecto musical y de popularidad y ello le animó a emprender una carrera en solitario que le llevaría a terrenos musicalmente insospechados. Su primera grabación "Piano Improvisación" para el sello ECM ya dejó mostradas sus cartas y su capacidad para tocar jazz moderno. Formo el grupo "Return to Forever" con el que se situó en la estela de la fusión del jazz con la bossa nova ya explorada con éxito por el saxofonista Stan Getz.

     Sus dúos con los pianistas, Herbie Hancock, Keith Jarrett o Friedrick Gulda; sus incursiones esporádicas en la música europea de la mano de Roy Haynes, GaryPeacock o Michael Brecker, hasta llegar a las actuales experiencias eléctricas con su"Electrick Band" o la más actual "Akoustic Band" son muestras del camino recorrido por este extraordinario pianista, referencia indiscutible del jazz moderno y con una capacidad indiscutible para atraerse a un publico heterogéneo mas allá de las fronteras del jazz.

     En 1968, grabó para Blue Note su trabajo mas logrado en las orillas del jazz con su álbum: "Now He Sings, Now He Sobs" y en el se resume la carrera de este gran pianista. Un disco y una carrera caleidoscópica                   

Biografia cedida per: www.apoloybaco.com

MUSIC DE LA SETMANA

HERBIE
HANCOCK

El pianista de jazz, Herbie Hancock, nació el 12 de abril de 1940 en Chicago. Cursó estudios en el Grinnell College y en la Universidad de Roosevelt. Con siete años empezó a tocar el piano y a los once ofreció un concierto de Wolfgang Amadeus Mozart, con la Orquesta Sinfónica de Chicago para jóvenes interpretes. Su interés por el jazz se despertó al escuchar discos de Oscar Peterson y George Shearing. En 1962 firmó su primer contrato grabando para Blue Note con Donald Byrd. Los productores del sello al oírlo tocar le ofrecieron grabar a su nombre y el pianista les respondió con el disco "Takin' Off" que incluía su primera gran composición titulada "Watermelon Man".

     Durante una temporada y de forma independiente estuvo con el quinteto de Eric Dolphy (1962-1963) y en 1963 se unió al quinteto de Miles Davis. Estuvo con el trompetista hasta 1968 y se convirtió sin lugar a dudas en el soporte musical principal de Davis. Paralelamente a la formación con Davis, Herbie Hancock grabó una serie de magníficos álbumes para Blue Note, siendo el mas destacado de ellos el titulado"Maiden Voyage", toda una obra maestra del piano de jazz. Combinó diversas técnicas electrónicas con la acústica del piano creando el estilo jazz-fusión con su propia banda a comienzos de los setenta. El álbum resultante de toda esa música fue el titulado "Headhunters" que se convirtió en el álbum de fusión mas vendido de todos los tiempos hasta su publicación. 

     Hancock, mezcló estilos y recursos como el pop, el hard-rock, la música disco sintetizada, técnicas de doblaje musical y edición de mezclas. Tuvo la idea de reunir a todos los músicos que habían estado con Miles Davis y formó una banda llamada:"VSOP" con notable éxito de critica y publico. Durante los años ochenta descubrió la música scratch, basada en un efecto rítmico original del rap, y junto a su nuevo grupo, la Rockit Band, exploró los ritmos de la música urbana contemporánea. Su single "Rockit" fue número uno en las listas de éxitos y ganó un Grammy a la mejor grabación instrumental. Hancock logró un Oscar por la Academia de Hollywood(1987) por la Banda Sonora original de la película: "Round Midnight" (Alrededor de la medianoche) del director francés, Bertrand Tavernier dirigida en 1986.

biografia cedida per Apolo y Baco   www.apoloybaco.com

DISC DE LA SETMANA

ART TATUM
"THE COMPLETE PABLO SOLO & GROUP MASTERPIECES"

Al llarg dels últims anys i en cada una de les temporades que porto en antena, no he deixat mai de tenir un record per un dels músics que han estat fonamentals dins de la història del jazz i més concretament en l'evolució del piano clàssic, l'inoblidable Art Tatum.

Si ben cert és que abans de l'aparició de Tatum durant els anys 30 gegants d'aquest instrument com Fats Waller o Earl Hines, entre d'altres, brillaven amb llum pròpia i atresoraven un estil pianístic de descomunals proporcions, res a veure o semblant es podia escoltar d'amunt d'un teclat quan tocava l'incomparable Art Tatum envers a qualsevol altre pianista.

Tatum va aparèixer en un moment de canvi, en aquell moment on el swing anava succeïnt els estils mes rústics de New Orleans i Chicago i el beat més regular i el 4/4 eren la moda del moment, d'aquí potser neix la predilecció del propi pianista pels temes en boga del moment

Durant aquells anys 30-40 on la improvisació, el bon gust i el virtuosisme representaven un patrimoni vital per qualsevol music, Art Tatum ressaltava pel d'amunt de qualsevol instrumentista, fos pianista o no en aquest tres factors de manera destacada.

Tatum va fer confluir i sintetitzar a la perfecció els estils de pianistes com els abans esmentats per fer transcendir el piano a un estatus de tècnica superior. Ell va estar el primer en oferir-nos moments plens de focs d'artifici en forma de notes mai escoltats fins llavors com si la seva música fos una cascada interminable de sons i de cadències infernals on nomes ell (i ningú mes encara avui en dia) ha pogut arribar.

Respectuós amb el paper de les dues mans i amb una independència absolutament total d'elles va assolir realitzar unes audàcies harmòniques dignes d'emmarcar, on les variables tan en el tempo com en l'adornament estètic tant a temps lent , mig, ràpid o meteòric son dignes d'estudi encara avui en dia.

Pot semblar a la lectura d'aquest comentari i per algun bon amic que no hagi descobert amb plenitud a Tatum que parlem exclusivament d'un virtuós, dons no, a part de ser-ho, la seva meticulosa manera de tractar la melodia base del tema, el seu refinament estilístic i la seva manera de fer caure les notes al seu lloc, fossin una o un miler, aclareixen el seu amor pels conceptes mes ortodoxes i clàssics. El seu comportament com a music de petites formacions el van fer destacar també com un pianista compromès i un immillorable acompanyant, que tot i lluint el seu virtuosisme innat no va destruir els conceptes de grup ni la bellesa natural de tot el que interpretava al costat del seus col·legues.

En quant al seu concepte del Blues era un especialista mes que singular ja que es evident que hi estava profundament arrelat, però a diferencia de molts, els seu toc no era dramàtic ni planyi't, sinó tot el contrari, deixava caure un discurs molt transparent exempt de nostàlgia, però profundament vinculat a l'essència mes primitiva.

Aquest memorable mestre va ser la avant sala del piano modern, un espai on Bud Powell va entrar-hi i va recollir gran part de la destresa d'un mestre inigualable com ell per començar a modernitzar la seva herència amb el naixement del Be Bop .

Tatum va ser un artista fora del comú i un autentic superdotat on al llarg de la discografia que us proposo descobrireu a un personatge de la història del Jazz al que encara avui, tècnicament d'amunt d'un piano “jazzístic”, ningú ha pogut igualar.

Andreu Fábregas

Presentador i Director del Camps de Cotó.

DISC DE LA SETMANA

KENNY BARRON TRIO-
MINOR BLUES

No han estat poques les ocasions durant aquest deu anys de radio en les quals un servidor ha argumentat que el sr. Kenny Barron representa una de les bíblies del piano més il·lustres des de que va fer la seva aparició en escena allà a finals dels anys cinquanta.

Recomanar l'últim treball d'un music que ha pogut aglutinar i adaptar-se al cap dels anys a tants conceptes i contextos musicals amb un ofici tan impressionant, pot resultar, si mes no, un exercici d'oportunisme gens arriscat i un tant inoperant per algun de vosaltres.

Tot i així permeteu-me que us recordi que la historia es torna a repetir , i que el bo d'en Barron, al costat de dues celebritats com George Mraz al contrabaix i l'històric company del mestre Monk a la bateria Ben Riley, deixant impresa la seva saviesa magistral dins d'aquest enregistrament que du per títol Minor Blues.

I es que res ha canviat, Mraz continua amb la seva profunda sonoritat d'antany proposant diferents variants rítmiques i alternatives sense comprar un abonament exclusiu a la clàssica pauta mètrica del walking bass . Alhora Riley perpetua el seu toc aeri , pulcre i de profunda sonoritat que accepta tan les arriscades com subtils provocacions del pianista a cop de baqueta o d'escombretes amb la seva transparència característica.

Tot això es percep al llarg de tota la gravació i especialment en fenomenals versions com Beautiful Love, How- Deep is the Ocean o la preciosa composició amb l'inevitable temps de vals de Johny Mandel Emily inserits en aquesta rodona de plàstic sonor.

Els efluvis musicals dels Hancock, McCoy o Peterson es fusionen amb un sol element que surt de la caixa sonora del piano de Barrón. Els arguments jazzístics de tot el disc ensenyen les urpes d'un jazz contemporani i vinculat al Bop que neix de la fidelitat estilística d'un jazzman que no oblida la tradició pianística dels 30 i 40 a la que mai ha renunciat.

La veritat es que no hi ha res de nou en aquest disc de Kenny Barron , tanmateix com no hi ha res de nou amb un pernil serrà de pota negra o la precisió d'un rellotge Omega Suís d'edició limitada , tots tres tenen el que tenen , precisió , bon gust i amb sinceritat......... estan de conya.

Sobren les paraules, millor escolta-t'ho.

Andreu Fábregas.

Director i Presentador del Camps de Cotó.

DISC DE LA SETMANA

MARC COPLAND
STOMPIN' WITH SAVOY
SAVOY 1995

Marc Copland va aparèixer a l'escena del Jazz a Filadèlfia a la dècada dels 60 com a saxofonista. Mes tard es va traslladar a Nova York on va fer diferents provatures musicals experimentant amb el seu saxo alt . A l'època dels 70, no satisfet pels resultats que obtenia a pesar per la seva passió pel saxo , comença una recerca intensa sobre el seu concepte harmònic propi. Això al porta a Baltimore (Washington DC) on va estar durant tota la dècada dels 70 per fer la seva pròpia reconversió com a pianista de Jazz.

De llavors i fins avui, i ja amb 62 anys, s'ha convertit amb un dels pianistes contemporanis mes considerats dins del panorama internacional. Bon arranjador, compositor i lider de la seves pròpies formacions, Copland no ha amagat mai el seu profund arrelament a les formes mes tradicionals del piano en Jazz, que reconverteix en tot moment amb modernitat mercers a la seva gran habilitat tècnica.

Un exemple mes que aclaridor, es el seu àlbum del 1995 Stompin With Savoy amb el qual obrim aquesta setmana el Camps de Cotó. Tot i haver-nos deixat mes de vint-i-cinc magnífics treballs , encara a dia d'avui aquest disc representa , al menys per mi , una d'aquelles obres mes recomanables de la dècada del 90. Copland confecciona un treball amb els ulls i els sentiments posats d'amunt d'obres de la historia del Jazz que comprenen totes les èpoques. Talls com Equinox (Coltrane), I got Rhythm-I love You Porgy (Gershwin ) Footprints (Shorter) o Woody'n You (Gillespie) entre d'altres, arranjats i exposats perfectament per aquest quintet conduit per Copland conserven l'essència d'eterna modernitat que en el seu moment van deixar per l'eternitat els seus propis creadors. Al costat del malauradament desaparegut Bob Berg (st), Randy Brecker (t), James Genus (b) i Dennis Chambers (dr), Copland signa un estil pianístic i musical que mostra a totes llums que el concepte de modernitat no es mes que l'absorció i l'enteniment de tot allò que sempre es te de tenir present , si realment el que es vol, es mantenir-se, com ell, dins de l'aparador dels grans. No t'ho perdis.

Andreu Fábregas

Director i presentador del Camps de Cotó